http://www.playcast.ru/view....a92d5pl
С древних времен головной убор наделяли магическими свойствами. Его интерпретировали как символ власти, успеха, знатности, богатства. Значение короны, венца известно издревне: символом самодержавной власти была в России шапка Владимира Мономаха, которую Петр Первый заменил императорской короной. К ней близок и брачный венец. Разумеется, шляпа – не аналог короны, но ее весьма близкая родственница. Уже в средние века ношение шляп было обязательным. Явиться на люди простоволосым считалось позором. Отказ от ношения шляп бывал то вызовом обществу, то признаком его переустройства. Так, в России после 1917 года котелки и пышные дамские шляпы считались предметами чуждого буржуазного быта, зато на многих головах появились буденовки, происходящие от древнерусского шлема. Свою роль в судьбе шляпы в обществе сыграли модницы и модники, художники, поэты и даже цари. Столь пристальное внимание к «наряду для головы» вызвано тем, что в иерархии модных аксессуаров этот предмет занимает высокое, если не главенствующее положение. Сложная история взаимоотношений человека и его головного убора позволяет рассматривать шляпу не просто как элемент костюма, отражающий смену стилей и эпох в моде, но как своеобразный культурный и художественный феномен. Веками шляпа играла важную роль в обозначении статуса человека в обществе. Выбор шляпы, степень ее экстравагантности говорили об оригинальности вкуса владельца, о принадлежности к светскому обществу или художественной богеме, о смелости и индивидуальности. Неслучайно шляпа, как произведение искусства, вдохновляла многих художников (И.Крамского, И.Репина, В.Серова, Т.Маврину и др.) и осознавалась ими как увлекательный сюжетный мотив. Для наших дней характерен всплеск интереса к шляпе, сменивший долгое пренебрежение ею. Как и сто лет назад, в начале XX века, она вновь становится атрибутом, определяющим характер человека, еe носящего, и склонность к творческому самовыражению. Более того, шляпа превращается в культовый предмет, существующей на грани художественной фантазии и обыденной жизни.

XX век аккумулировал все модные идеи прошлого. Для него характерна быстрая смена стилей, особенно этому подвержены женщины, сделавшие моду одной из главных составляющих своего существования. Сменяя друг друга на протяжении столетий, головные уборы (берет, шотландская шапочка, тюрбан, ток, канотье, болеро и клош, ковбойские шляпы) становились объектами пристального внимания модников. Шляпным дизайнерам приходилось напрягать воображение, обращаясь в прошлое в поисках новых идей. Блистательная карьера Габриэль Шанель началась именно со шляпок. Жена Сальвадора Дали Гала до 1930 года одевалась у Шанель, но роскошная сдержанность стиля этого модельера не сочеталась с эксцентричным стилем художника. Для своего мужа Гала стала одеваться у Эльзы Скиапарелли. «Сюрреалистическая» Гала, как и сама знаменитая итальянка, была одной из тех немногих женщин, которые отважились носить необычную шляпку в виде черной туфли на шпильке, вошедшую во все энциклопедии моды. В 60ые годы мода стремительно демократизируется. Очень популярной становится шляпка «таблетка», созданная для Жаклин Кеннеди американским модельером Р.�Хальстоном. Заповедным оазисом, где шляпы никогда не снимались, остается Великобритания. В Британии есть куда носить шляпы – на свадьбы, скачки в Эскоте, приемы, балы. Неудивительно, что все знаменитые шляпные дизайнеры нашего времени – британцы. Дэвид Шиллинг, Стивен Джонс, Рейчел Скиннер, Филипп Трейси – все они продолжают в своем творчестве линии, идущие от практичной Шанель и великолепной, экстравагантной Эльзы Скиапарелли. Шляпа в их интерпретации не просто аксессуар, элемент костюма, а предмет декоративно-прикладного искусства, предмет обожания многих женщин и мужчин.

Из Википедии:

Шляпа — головной убор, состоящий из тульи́ — покрывающей голову части — и полей — выступающей за края тульи полосы материала. Шляпы могут украшаться перьями, чучелами, лентами и т. п.

Шляпа может использоваться как средство защиты головы и волос (от осадков, ветра, солнца), а также может выполнять и декоративную функцию.

Виды шляп:

Акубра - Австралийская мужская шляпа каскада. Имеется и другой вид - Тобаранетели

Галеро - Очень большая, плоская, красная шляпа с широкими полями, с которого по сторонам свисают по 15 кисточек, также является геральдическим отличием сана кардинала.

Котелок - Мужская шляпа с округлой тульёй без изломов и обычно подогнутыми вверх полями.

Фетровая шляпа (федора) - Мужская шляпа, популярная в первой половине XX века.

Канотье - (от фр. canotier — «гребец») невысокая цилиндрическая соломенная шляпа с плоским верхом, узкими твердыми полями и чёрной лентой.

Ковбойская шляпа - Высокая мужская шляпа из фетра или кожи, с загнутыми по бокам полями. Иногда снабжается хлястиком.

Цилиндр - Высокая шляпа с тульёй в форме цилиндра.

Шапокляк - Складная шляпа-цилиндр, ныне используется только цирковыми артистами.

Шуте - Женская шляпа-цилиндр. Существует японская шляпа кератана.

Боливар (шляпа) - Широкополая шляпа-цилиндр.

Панама - Мягкая шляпа из лёгкой ткани или соломы, предохраняющая голову от солнечных лучей.

Треуголка - Шляпа с загнутыми вверх треугольными полями.

Конфедератка - Четырехугольная шляпа без полей с кисточкой.

«Свиной пирог» - Шляпа с короткими полями и низкой цилиндрической тульей. Носилась представителями некоторых субкультур в 1960—1970-е.

Сомбреро - Мужская широкополая испанская шляпа.

Трилби - Мягкая мужская шляпа.

Шляпа Шерлока Холмса- Мужская шляпа охотника за оленями с двумя козырьками, спереди и сзади.

Хомбург - Популярный в середине XX века фасон мужской фетровой шляпы.

Клош - Дамская шляпка в форме колокольчика, была в моде в 1920-е года.

Шляпа в языке
Прошляпить — упустить возможность.
Снимать шляпу — выражать уважение.
Без штанов, а в шляпе — о человеке, нарушающем последовательность действий
На голове шляпа, а на ж… тряпа — о человеке, следующем моде, не имея к тому средств.
Шляпа — о человеке, упустившем какую-то возможность; так называют наивного человека, упускающего практическую выгоду.
Дело в шляпе — дело сделано.

Из Википедии:
Федо́ра (также борсалино и snap brim — от англ. «переломленное поле») — головной убор (шляпа) из мягкого фетра, обвитая один раз лентой. Была изобретена в середине 1910-х. Обычно носится мужчинами, но существуют варианты шляп и для женщин.

Федора была популярна на западе в первой половине XX века. В это время она была практически непременным атрибутом костюма в городских индустриализированных областях. Такая шляпа наиболее сильно ассоциируется с гангстерами, частными детективами и прочими «крутыми парнями», во многом благодаря штампу голливудских фильмов 1940-х годов. Примерно на рубеже 1950-х и 1960-х федора утратила популярность. В наши дни федора переживает очередную волну популярности.

Внешний вид
Федора представляет собой классический головной убор, обвитый лентой, с мягкими полями, которые можно поднимать и опускать. На тулье имеются три вмятины.

Марка Borsalino
Название «борсалино» федора получила уже после своего появления, в честь известной фирмы, производящей шляпы, 'Borsalino' («Борсалино»). После этого «борсалино» стало нарицательным.

Мода
В период с 1950 по 1960 годы федора стала уходить из мужской моды, однако уже в начале 80-х борсалино плавно вошла в женскую моду и не сдает своих позиций до сих пор.

Федора в этикете
В XX веке джентельмен, носивший шляпу-федору, должен был соблюдать определенные правила этикета. Так, чтобы выразить уважение появившейся в поле зрения даме, полагалось приподнять шляпу над головой тремя пальцами, каждый из которых должен был лежать в одной из «впадин» на тулье.

В логотипах
Одной из самых известных и утраченных на сегодняшний день марок является чешская «Tonar Aramis». Эта марка являлась законодателем стиля среди головных уборов, отличались превосходным качеством пошива и используемых материалов. В Советское время можно было найти эту марку с пометкой Made in Czechoslovakia, Tonar.
Компания Red Hat использует красную фетровую шляпу на своём логотипе человека-тени (достаточно очевидный визуальный каламбур — шпион с хорошо заметным головным убором). Кроме того, спонсируемый ей дистрибуив GNU/Linux называется Fedora.

Известные люди, носившие федору
Run-D.M.C., американская рэп-группа
Аль Капоне, американский гангстер
Бритни Спирс, американская певица
Джон Диллинджер, американский грабитель банков
Индиана Джонс, археолог
Майкл Джексон, король поп-музыки
Фредди Крюгер

(Хорошенькая компания! )

Федора в культуре
Борсалино, художественный фильм, 1970 г., Франция.
Борсалино и компания, художественный фильм, 1974 г., Франция.

До петровских реформ и женщины и мужчины носили одежду практически одного покроя.
Первые попытки уйти от традиционного, веками не менявшегося костюма появились у нас в конце XVII века. Тогда же царь Алексей Михайлович вынужден был издать указ, запрещающий перенимать чужие обычаи, носить платье «с иноземского образца». Но все было тщетно: стоило России выйти на более тесные деловые контакты со странами Западной Европы, как старорусская одежда стала казаться некрасивой и неудобной.
Петр I заставил страну жить в другом темпе; ее новому ритму, изменившемуся образу жизни мало соответствовали длинные, сдерживающие движение одежды. Так же, впрочем, как и бороды едва не до пояса. И Петр I открыл дорогу моде, в частности, немецкой. В указе, который был издан им в 1701 году, с точностью перечислялись все виды одежды, которые отныне только и могли носить русские люди и мужчины, и женщины, от нарядных костюмов до исподнего белья, от шапок до башмаков. Россия начала менять гардероб.
Казалось бы, ну и что из этого? Оделись иначе — какая разница? Однако это была ломка, и она, с одной стороны, отразила те перемены, которые происходили в обществе, а с другой — во многом способствовала этим переменам, затрагивающим все сферы жизни людей.
Любопытные свидетельства этой ломки мы находим в памфлете М. М. Щербатова «О повреждении нравов в России», который был написан в или 1786 или 1787 году, но впервые опубликован лишь А. И. Герценом и Н. П. Огаревым в Вольной русской типографии в 1858 году. Автор памфлета пишет, что в прежние, любимые им допетровские времена только самые парадные царские одежды были богаты и великолепны: «злато, жемчуг и каменья повсюду блистали»; они «столь редко употреблялись и столь крепки были, что их за носильные одежды и почитать не должно; но были они яко какие коронные сосуды», украшения их «быв сделаны из золотых блях, жемчугу и каменей из роду в род переходили». Даже царь и царица «пять или — шесть, а много до десяти платьев когда имел... то уже довольно считалось, да и те нашивали до износу». Бояре и чиновники тоже не знали о перемене мод, «но что деды нашивали, то внучата, непочитаясь староманерными носили и употребляли».
Принято считать, что в истории костюма шла драматическая — а временами и комическая — борьба между двумя началами: утилитарной целью, которой служила одежда — скрывать наготу, защищать от холода, и ее эстетической функцией — украшать. Традиционная народная одежда, не подвластная моде, сочетала в себе оба эти начала. Она была красивой — по понятиям не одного поколения людей, удобной — по их представлениям об удобстве. И потому она была стабильной. Так что наблюдение точное.
Но вот наступили петровские времена. И повелел царь «бороды брить, отменил старинныя, русския одеяния и вместо длинных платьев заставил мужчин немецкие кавтаны носить, а женщин, вместо телогреи, бострги, юбки, шлафорки и самары, вместо подкалков, фонтанжами и корнетами голову украшать». Это было вызвано, по мнению автора, тем, что люди стали иначе жить и общаться, женщинам, прежде не покидавшим своего дома, было приказано появляться в собраниях, и одеваться требовалось по моде. Сейчас далеко не каждый сможет вразумительно объяснить, как выглядела, к примеру, телогрея, привычная в стародавние времена одежда. Но для женщин петровских времен и прическа «фонтанж», как называет ее Щербатов, тоже нуждалась в пояснениях. Мода приносила свои термины, составляла свой словарь — она всегда нуждалась в переводчике. Как, впрочем, и теперь. Немецкий костюм — вполне объективно — был удобнее для деятельности человека. Возможно, и вся новая мода тогда провозглашалась как самая практичная, как единственно отвечающая духу времени, времени преобразований и строительства.
Но — «фонтанж»! Ее называли еще «а ля Фонтанж» по имени герцогини Фонтанж, одной из многочисленных фавориток «короля-солнца» Людовика XIV: это была очень пышная прическа из круто завитых волос, которую украшали цветами и кружевами. Нет, ее — даже с большими натяжками — нельзя было назвать практичной. Но, очевидно, она тоже соответствовала духу того времени — до эмансипации было еще несколько веков, и если женщины и появлялись теперь в «собраниях», то явно не для того, чтобы заниматься делами или вести «умные» разговоры. Их роль была скромнее — они «украшали» общество деловых мужчин, и в таком смысле их прическа была, можно сказать, утилитарной — служила вполне практической, земной цели...
Впрочем, Щербатов подмечает не без иронии, что мода потребовала жертв: на сооружение «фонтанжа» требовалось трое суток, и бедные женщины «должны были до дня выезда сидя спать, чтобы убору не испортить». Одежды становились все более изысканными и дорогими, хотя сам Петр «кроме простых кавтанов и мундиров никогда богатых не нашивал». «И беднейший человек ныне того носить нестанет», — заключает Щербатов уже с позиций своего времени. Правда, он тут же объясняет, что Петр «имел себе в предмете, чтобы великолепием и роскошью подданных побудить торговлю, фабрики и ремеслы». Уже тогда, с первых своих шагов, мода была катализатором развития промышленности, которую нынче называем «легкой». Хотя одновременно автор памфлета отмечает и то, что мода вызвала стремление к роскоши: «моды хотя долго продолжались, однако оне были, и по достатку своему оные уже их чаще, нежели при прежних обычаях делали».
Все это звучит весьма современно. И в наши дни, когда мода стала меняться с головокружительной скоростью, она так же способствует повышенному интересу к вещам, придавая им престиж, которого они вряд ли заслуживают.
Отмечает автор и другое любопытное обстоятельство: едва возникла мода, как сразу же появились сословные ограничения. То, что было дозволено императрице, не разрешалось никому другому. Только она одна могла «убирать алмазами обе стороны головы», все прочие — только левую. «Запрещено стало носить горностаевые меха с хвостиками, которые одна она носила». Уже в те времена понимали престижность модной одежды, и те, кто обладал властью, не позволял тиражировать свои туалеты.
Это тоже любопытная черта отношений с модой.
Роскошь двора, увлеченного модой, стала «из меры выходить», и уже императрица Анна издает указ, запрещающий ношение золота и серебра на платье, «а токмо позволено было старое доносить, которыя платья и были запечатаваны».
Но процесс продолжался, несмотря на запреты. Мода расточительна — она и была такой с момента своего появления. Во времена Елизаветы «подражание роскошнейшим народам возрастало и человек делался почтителен по мере великолепности его житья и уборов». Роскошь в одеждах превзошла все пределы, «часто гардероб составлял, почти равный капитал с прочим достатком, какого придворнаго или щеголя, а и у умеренных людей онаго всегда великое число было». «Да можно-ли было сему иначе быть, — продолжает Щербатов, — когда сам Государь прилагал все свое тщание, к украшению своей особы, когда он за правило себе имел каждый день новое платье надевать, а иногда по два и по три на день...» И добавляет о «Государе» — Елизавете: «...Стыжусь сказать число, но уверяют, что несколько десятков тысяч разных платьев после нее осталось». «Стыжусь сказать» — но мы-то знаем, что около 8 тысяч платьев! Мода и тогда могла кружить головы... Главные черты нового для описываемого времени явления — моды — можно заметить здесь без особого труда. И в этом отношении она мало изменилась за более чем три прошедших с тех пор столетия. Мы без труда узнаем в ней характерные черты — и те, что делают ее привлекательной, и те, что кажутся нам нелепыми и смешными иногда только потому, что нас увлекает нечто совсем другое (но ведь и оно может показаться нелепым и смешным уже нашим внукам). С первых шагов мода способствовала развитию промышленности. Отражала свое время и образ жизни людей своей эпохи. Влияла на нравы, на поведение, хотя при этом оставалась как бы в стороне — люди сами попадали в ее сети, и притом не без восторга и радости. Она заставляла людей больше думать о внешней красоте, престижности и забывать о других, духовных, ценностях, что Щербатов назвал «повреждением нравов». И это, разумеется, только часть «вины» и «заслуг», которые, как считают, несет мода.
И напоследок — история с бородой.
Петр I одел мужчин в камзолы и брюки, а женщин — в пышные декольтированные платья, а также приказал сбрить бороды. Их сбрили. Но не все — казаки воспротивились новой моде и остались при бородах. В 1814 году русские войска, завершая войну с Наполеоном, вошли в Париж. Героические казаки произвели на парижан неизгладимое впечатление, а борода просто вошла в моду. Она так и называлась — борода «а ля рюсс». Об этом с восторгом писали в парижских газетах: «Борода — это естественное украшение особ сильного пола. Она часть мужской красоты. Она изменяет пропорции лица, расширяет или сужает его овал, изменяет оттенки кожи щек и подбородка, защищает кожу своим шелковистым сумраком и усиливает ее блеск. Только борода может придать особую значительность лицу мужчины».
Возникновение новой моды в Париже привлекло внимание и российских модников. По примеру «передовой Европы» заводят бороду и они, не подозревая, что к ним вернулась их собственная борода, правда с зарубежным патентом.
По мотивам: Лидия Орлова. Азбука моды

Критерии в выборе одежды и манера ее носить очень сильно зависят, говоря астрологическим языком, от стихии, от знака Зодиака и ведущей планеты человека. А это значит, что зная и учитывая астрологические законы, исходя только из манеры одеваться можно сделать объективные выводы о чертах характера человека.
Особенно при первом знакомстве с человеком такой взгляд может быть полезен.
Земные знаки: Телец, Козерог, Дева
Огненные знаки: Овен, Лев, Стрелец
Воздушные знаки: Близнецы, Весы, Водолей
Водные знаки: Рак, Скорпион, Рыбы

«Земная» одежда

Если мы встречаем человека, одетого в строгий темный костюм (черный или темно-коричневый) не особо модного покроя, скорее всего нейтрального, без лишних деталей, с застегнутым воротничком даже в самую большую жару, то об этом человеке можно сказать, что у него в характере доминирует Сатурн со всеми вытекающими отсюда свойствами.
Опытный астролог может сказать, как этот человек относится к своим служебным и семейным обязанностям и насколько с ним можно иметь дело, либо не иметь его вообще. Темный цвет – цвет Сатурна, черный или темно-коричневый – как бы держит в рамках, способствует некоторой концентрации в себе, «уходу в себя», создавая как бы невидимую стену между человеком и окружающим миром.
Эта стена может служить преградой для эмоциональных проявлений вовне, задавая определенный строгий и контролирующий фон, но с другой стороны может служить и своеобразной защитой от слишком активного и суетливого окружения. Недаром с древнейших времен и вполне обоснованно в монастырях монахи и монашки носили черную одежду.
Отсюда и естественный обычай надевать на похоронах темное платье, символизирующее бренность этой жизни (Сатурн-Хронос, отмеряющий время жизни человека, его приход и уход, символически заведует и кладбищами).
Но мы знаем, что черный цвет также очень принят на официальных приемах, при проведении правительственных мероприятий, на великосветских раутах. Так что он считается еще и цветом строгих «официальных»отношений – некоторым образом парадным, помогающим держаться «в рамках»...
Темный цвет предпочитают носить люди, преимущественно принадлежащие «земным» стихиям... (Козероги, Тельцы, Девы). Если подходить абстрактно астрологически, то Сатурн считается в дружбе с этими знаками и управляет Козерогом.
Людям, принадлежащим стихии «земля» присуща сдержанность и осторожность, некоторая скрытность в характере. Поэтому они максимально естественно чувствуют себя в темной одежде – «как рыба в воде». Для них это не траурный цвет, а нормальная рабочая одежда, и эмоциональное состояние, заданное темным цветом, для них совершенно естественно. Это относится не ко всем людям, просто это тенденция, данная при рождении. Кроме того, людям «земной стихии» присуща природная практичность, что тоже сказывается на выборе одежды.
Однако людям, страдающим излишней застенчивостью и неуверенностью в себе, с трудом вступающим в контакт, нужно посоветовать отказаться от темных цветов, стараться носить более яркие тона, это поможет им эмоционально раскрыться.
Итак, одежда предпочитается ноская и практичная. При покупке, помимо всего прочего будет учтено, для какого случая покупается одежда, достаточно ли часто она будет надеваться, «окупит» ли себя и не будет ли зря висеть в шкафу. Вообще «земные» знаки, как бы хорошо обеспечены не были, никогда не позволят себе купить платье на один раз (например, на выпускной бал или свадьбу), – платье по случаю всегда будет куплено или сшито с расчетом его дальнейшей эксплуатации.

Телец
Из всех «земных» знаков Телец самый большой сибарит, им управляет Венера, которая привила ему прекрасный вкус, а также любовь к дорогим и красивым вещам, драгоценностям и украшениям из натуральных камней. Вещей Тельцы предпочитают иметь не много, но очень хорошего качества. Этот знак лучше всего чувствует фактуру, качество материала, поэтому им нет равных в комбинировании разных материалов прежде всего по качеству.
Определяющим в выборе фасона будет не то, что модно сейчас, но то, что не выходит из моды никогда. Если это мужской костюм, то он должен быть достаточно строг и нейтрален. Однако Телец не откажет себе в удовольствии щегольнуть какой-нибудь броской деталью своего наряда, будь то какие-нибудь шикарные часы (скорее всего механические) или булавка для галстука с жемчужиной с берегов Ганга.
Про женщину-Тельца нельзя сказать, что она одевается «скромненько и со вкусом», одевается она дорого, а если позволяют средства, даже очень дорого и со вкусов. Вещи предпочитает качественные, добротные, из натуральных материалов (шерсть, хлопок, шелк), супер-модное никогда не купит и никогда не наденет, так как через год оно уже не модно. Она предпочитает такие фасоны, которые продержатся в моде максимальное количество лет.
«Тельчихи» не любят иметь много мелких деталей на платьях, слишком много молний, рюшечки, кружева. Детали предпочитают большие, крупные, например, большие карманы, большие аппликации, а если надевают украшения, то тоже крупные, массивные.
Надо сказать, что несмотря на то, что в костюмах «тельцов» безусловно просматривается хороший вкус, их наряд часто бывает несколько неаккуратен, на нем можно обнаружить пятна, которые Телец может посадить, даже не заметив. Вещи носит, однако, долго – за счет их хорошего качества.
«Тельчихи», как правило, долго выбирают вещь, прежде чем ее купить, но если она им понравится, то их никогда не остановит не совсем подходящий размер: они будут переделывать платье, подгоняя его по фигуре. Для них очень важен изготовитель-фирма, хорошо себя зарекомендовавшая, и они предпочтут скромную вещь, но «фирменную», более яркой без «фирмы».
В отношении цвета «Тельчихи» могут позволить себе и розовые, голубые, вообще сочные цвета. Особенно «тельцы»неравнодушны к синему цвету, но он не всем идет.

Козерог
В отличие от Тельца, Козерог не предъявляет столь больших требований к одежде, довольно аскетичен в этом плане и не любит выделяться ни в плохую, ни в хорошую сторону. Для него важно быть одетым прилично, быть «в форме» всегда и везде.
У «козерогов» прекрасный, очень строгий вкус: Сатурн дает им видеть перспективу, всю структуру в целом, в том числе и в одежде. Недаром среди архитекторов много «сатурнианцев».
Цвета большинство «козерогов» предпочитают темные, в них они чувствуют себя максимально комфортно психологически, хотя и практический фактор (немаркость) здесь отрицать нельзя. Вообще же у каждого человека в определенный период его жизни в гардеробе преобладает определенная гамма цветов, которая через некоторое время поменяется, хотя тенденция к тому или иному цвету уже заложена при рождении.
Козерог не очень любит носить драгоценности, если же и носит, то предпочтение отдает старинным вещам, кольцам или серьгам – «от бабушки», чем современным произведениям ювелирного искусства. Либо, если это современная вещь, то «под старину». Некоторые «козероги» со склонностью к мистике любят носить талисманы из драгоценных металлов с непонятными знаками. Общий вид одежды отличает лаконичность и строгость.
Дева
Последний знак, принадлежащий «земной» стихии – Дева, в одежде позволяет себе гораздо больше вольностей. Дева также очень практична в выборе костюма, но покупая его, она прежде всего рассчитывает на многофункциональность его использования, то есть на работу как на праздник, но и на праздник как на работу. Если вы встречаете человека, с большим количеством карманов и карманчиков, мелких кнопок и заклепок, в нем можно заподозрить «деву".
Дева уделяет особое внимание деталям костюма, причем у нее нет понятия «второстепенных» деталей и так появляется угроза перегрузить свой костюм большим количеством деталей. По-видимому, Дева явилась автором ансамблей одежды, где к одному пиджаку прилагаются различные юбки и блузки, или к одной юбке несколько блузок и пиджаков. Рационализм Девы находит здесь прекрасную почву для творчества.
В выборе цвета Дева позволяет себе больше вольности, чем Козерог. В глубине души она неравнодушна к ярким цветам, особенно к красному.
Дева может позволить себе всю гамму цветов (Меркурий, хозяин этого знака, дает пестроту и разнообразие), ткани предпочитает с рисунком, желательно абстрактным. Однако в повседневной жизни предпочитает все-таки неяркие «рабочие» тона – серый, зеленый, коричневый, а в качестве нарядного костюма стремится к черному с люрексом, темно-коричневому, темно-красному с люрексом тонам.
Дева любит много мелких украшений, желательно недорогих и не обязательно из драгоценных металлов. Встречаются «девы», у которых на каждой руке – по 2-3 дешевеньких колечка. Они не любят больших и ко многому обязывающих украшений, предпочитая более тонкие, изящные вещи – скорее для себя, чем для других, и сочетающие в себе желательно несколько функций, например: кулон-часы, кольца-часы, браслет-часы. Все, в чем виден рационализм и ум, приводит Деву в восторг.

Во Франции в старину гламуром называли специальную вуалетку, скрывающую прыщи и недостатки кожи лица.

Вуалетки
Из истории

Древнем Риме родители девушки, которая выходила замуж, пытались спрятать ее от злых духов, окутывая ее полупрозрачной белой тканью с головы до пят.
После свадьбы вуаль с девушки снимали. Этим отражался смысл, что теперь она полностью переходит во власть мужа.
В те далекие века считалось, что вуаль сохраняет и защищает женщину от недоброго воздействия мистических сил. Второй важный момент символики - это символ подчинения мужчине, с которым она связывает свою жизнь и далее собирается иметь детей.
В торжественный день свадьбы молодая надевала белую фату, знак девственной скромности. Став женой, она обязана была заплетать волосы в косу, покрывая голову платком.
В XI-XII вв. еврейки, гречанки и римлянки украшали себя вуалями всевозможных цветов, расшитыми золотыми и серебряными нитями. А в XV веке в Европу пришла мода на остроконечные шляпы в готическом стиле с длинной вуалью до пят, которая походила на фату. Более короткие вуали носили итальянки, испанки, француженки. А в XIX в. вошли в моду «шляпки с вуалем», в которых выходили замуж и русские невесты.
Вуалетки: стили и варианты оформления
High-fashion стиль
Длина чуть ниже губ или подбородка. Это наиболее традиционный вид короткой вуали.
Классические длинные платья - фавориты этого сезона - идеальный вариант сочетаемости с полупрозрачными вуалетками из тюля.
Элементы прически: эффектная заколка со стразами, перья, простая сборка сзади.
Английский стиль
Элегантная сеточка. Длина - ниже уровня глаз, край доходит до середины носа или касается кончика носа.
Совершенство выбора для невесты, которая желает в течение всего торжества оставаться под покровом вуали.
Самое главное - превосходная возможность для бесконечных страстных поцелуев!
Французский стиль
- Повязка
Прикрепляется с двух сторон головы зажимами или элегантными заколками. Маленькая, удобная, по-настоящему женственная. Позволяет реализовать полет фантазии при оформлении прически.
- Вуаль со шляпкой. Бесконечно актуальный и модный вариант.
- Вуаль, прикрепляемая посередине прически (обычно в центре) и закрывающая не всю её часть, а только лицо.
Русский стиль
Характерные черты:
- На лице сеточка располагается набок, «под уголок».
- Второй вариант: сеточка полностью охватывает и закрывает голову, прическу.

По неподтвержденным, но упорно распространяемым слухам в научных кругах история женских украшений начинается 420 000 лет назад. Английская экспедиция, работавшая по долине реки Ак Ачкей в Малой Азии, "открыла" даму, относящуюся к эпохе палеолита, с браслетами и бусами из ракушек. Она стала наидревнейшим образцом изысканно одетой женщины, которая не забыла дополнить свой туалет украшениями. Как видно, до сих пор человечество не утратило значения столь важного элемента своего внешнего вида, который при этом всегда оказывал огромное влияние и на его внутренний мир.
Если мы сегодня в состоянии провести часы, тщательно выбирая подходящее украшение, то несколько веков назад еще до рождения ребенка заседал специальный совет, чтобы определить, какую драгоценность ему следует носить.
Восточные мудрецы обычно учитывали год, месяц, день и час рождения. Если, скажем, это зодиакальный знак Петуха, год Мыши, то рекомендуемый камень — гранат; если же неподвижной звездой в девятом дне является Альтаир, то форма перстня должна быть прямоугольной и обязательно с изображением распускающегося лотоса. Человек с этими данными должен носить на шее ожерелье из золотых бусинок и изобретение Ганеша — слоноголового бога мудрости, а на запястье браслет в виде серебряной змеи с глазами из бирюзы — против боли в ногах. Предусматривались еще и браслеты для ног определенной формы, украшения для головы, грим... Правда, такой "полный набор" обходился в 5 рупий, но зато служил верной гарантией того, что их обладатель при помощи предписанных украшений успешно справится в жизни: ведь приняты все меры, чтобы их форма и материал "подстраховали" слабые стороны его физики и психики, о которых он и не подозревал, размахивая ручонками еще в люльке.
Вы ошибаетесь, если думаете, что эти "превентивные меры" — патент Востока.
Умберто Эко, всемирно известный автор романа "Имя розы"', приоткрыл для европейцев занавес символического значения камней. Достаточно ознакомиться с воспоминаниями прабабки, жившей 80—100 лет назад, чтобы узнать, как подвешивали (в Болгарии) золотую сережку-колечко новорожденному мальчику на левое ухо, если братишка до него умер, — она уведомляла всех о долгожданном сынке, "обращалась" с просьбой к людям и к судьбе о покровительстве.
Если ребенок родился сиротой или отец умер до его годовалого возраста, то об этом "сообщал" синий камень в сережке на правом ухе: "Жалейте его, берегите его, он — единственная опора вдовы". Синий камень от сглазу носили и маленькие девочки на сережках-подвесках, которые, согласно поверью, прогоняли зло и оспу.
Так как пряжки занимали "узловое место", то им и поясам предназначалось "охранять" здоровье девушек, на шее же, кроме крестика и образка, они носили и монисто. После замужества они надевали на шею свое "приданое" в виде ожерелья из золотых монет, к которым прибавляли и дары свекрови.
И сережки менялись — так же, как и головные уборы, они информировали о новом социальном статусе женщины. Украшения были уже покрупнее, потому что должны были предотвращать неприятные встречи, своим звоном прогонять злые чары и зависть. В этот период жизни разрешалось носить разные каменья: одни приносили счастье, другие оберегали от болезней, третьи одаривали красотой.
У болгар не кольцо являлось символом брачной принадлежности. Молодые обменивались перстнями в знак верности до помолвки или на третий день после нее, а в день свадьбы на запястье невесты надевали браслеты с шипами. Кроме приятного звона, браслеты с шипами служили гарантией плодовитости брака, "оберегали" женщину от злых сил и помыслов об измене. На известной картине Рембрандта "Даная", в которой искусствоведы давно распознали Вирсавию, видны те же самые браслеты из ниток, какими украшают руки и ноги невест в брачную ночь в знак рождения здорового потомства.
Красный камень и вообще красный цвет означал чистую и сильную кровь, но в самых ранних предписаниях рубин рекомендовался царям и полководцам, чтобы снискать благосклонность Марса. Аметист не давал разгораться страстям и даже лечил от алкоголизма. Однако камень сам по себе не мог справиться с тяжкой задачей исправления недостатков личности, поэтому ему оказывала помощь и форма оправы. Об этом можно исписать немало томов. Например, треугольник на перстне означал мудрость, он являлся небесным оком благосклонной судьбы, призванным вечно бдеть над обладателем перстня и предостерегать его от глупых поступков. Вот почему перстень с вписанным в него треугольником был обязательной принадлежностью дипломата, правителя или государственного деятеля.
Евреям же этого было недостаточно — они считали, что надо иметь два треугольника, которые вместе и образовали бы стилизованную звезду, то есть щит Давида. Вот тогда этот знак давал силу и успех: на зеленом фоне — в карьере, на синем — в ученье, на черном — в духовном совершенствовании, на белом — в любви.
Форма и знак на перстне указывали на принадлежность к данному ордену или братству, служили печатью, герб извещал о титуле и происхождении, о сане владельца перстня.
Когда-то на Западе было очень модно носить браслеты на ногах — тонкие цепочки, которые служили вместо обручального кольца и были очень распространены среди простолюдинов и женщин легкого поведения. После открытия Америки такой странный способ давать слово верности был перенесен туда. До сих пор он популярен в США. Но, разумеется, его значение сильно изменилось. Сейчас девушка, носящая цепочку на ноге, "сообщает", что она свободна и ищет новых знакомств. Подобное толкование не обязательно, некоторые просто хотят подчеркнуть красоту ног. Так же, как сережка в левом ухе парня не обязательно означает предпочтение к представителям собственного пола, не так ли? И зеленый камень в сережке девушки на правом ухе не является признанием в мазохизме — просто украшения для большинства из нас перестали иметь те значения, которые они имели у наших предков, сохранив лишь эстетические функции.

Во второй половине XVII в. в европейской моде стали господствовать вкусы французского двора короля-Солнце Людовика XIV Великого (1638-1715), определившего характер своего правления знаменитой фразой: «L Etate с'est moi!» (по франц. — «Государство — это я!»). Жизнь при дворе подчинялась строгому этикету и представляла собой бесконечно длящийся спектакль, главным действующим лицом которого был король.
С началом правления Людовика XIV поменялись идеалы мужской красоты. Красавцем теперь стал называться мужчина, не способный к физическому труду. Красивая тонкая кисть, непригодная к работе, зато умеющая нежно и деликатно ласкать. Красивая маленькая ножка, движения которой похожи на легкий танец, едва способная ходить и совершенно не способная ступать решительно и твердо.
Мужчина-рыцарь, воин окончательно превратился в светского придворного. Обязательное обучение дворянина танцам, музыке придавал его облику изящность. Его манеры, пластика вырабатывались главным образом под влиянием любимого извлечения двора — балета, который исполнялся тогда не профессионалами-артистами, а придворными и членами королевской семьи. Благодаря постоянным занятиям танцами, мужчины освоили округлые жесты, грациозные поклоны. На смену грубоватым повадкам и физической силе пришли иные высоко ценимые качества: ум, хитрость, изящество. Мужественность XVII в. - это и величественность осанки, и галантное обращение с дамами. В который раз женские вкусы поменялись: импозантный, надменный мужчина с тонкими чертами изнеженного лица и мелодичным голосом, изыскано обходящийся с дамами, ловкий охотник, наездник и танцор — вот их новый кумир. Таков портрет типичного придворного щеголя. Таким был король Людовик XIV!
...Людовик обладал незаурядными художествеными дарованиями. Так, он безошибочно играл на многих музыкальных инструментах, в оркестре улавливал малейшую фальшь и до 32 лет (вплоть до 1670 г.) танцевал на сцене в постановках классического балета, нередко его партнером был знаменитый танцор того времени Пьер Бошан. Недаром балет стал одним из любимейших развлечений придворной знати...
...Кстати, угодных себе дворян Людовик XIV осыпал наградами, придумывая им должности, которые щедро оплачивал. Среди придворных был хранитель королевской трости, хранитель королевского парика, надзиратель за королевским ...ночным горшком. Примечательно, что последняя должность считалась особо почетной: человек, следивший за королевским «стулом», больше других знал о состоянии здоровья Его Величества. Среди французского дворянства считалось особой привилегией присутствовать при утреннем одевании королевской персоны, которое занимало не менее двух часов...
Именно с легкой руки Его Величества Людовика XIV стоимость нарядов стала фантастической. Так, один из его костюмов — пошитый самым знаменитым портным того времени Жаном Барайоном — оценивался в 2 миллиона ливров: на нем было одних только алмазов и бриллиантов около 2 тысяч! Подражая королю-Солнце, его придворные старались не отстать от моды на роскошные одеяния, и если не превзойти самого августейшего монарха, то, по крайней мере, не ударить в грязь лицом друг перед другом. Образцами для подражания королю стали не только его одежда, походка, но и содержимое вошедших в моду карманов.
Великолепный Людовик играл свою роль властелина цивилизованного мира с таким достоинством и тактом, что его вкусы, в том числе в моде, были приняты в качестве образца. (При этом его интеллектуальные способности историки, да и фрейлины королевы в один голос оценивали как весьма средние). Актер он был божьей милостью и ни разу за все свое очень долгое правление не сбился со своей роли абсолютного монарха. Быть одетым так же, как король-Солнце, означало проявить верноподданическую покорность. Мода стала льстивым царедворцем.
По примеру Его Величества в мужском гардеробе насчитывалось не менее 30 костюмов по количеству дней в месяце — и менять костюмы полагалось ежедневно! А в середине правления Людовика XIV появился еще один королевский «сюрприз» — специальный указ об обязательной смене одежд по сезонам. Весной и осенью следовало носить одежды из легкого сукна, зимой — из бархата, ратина и атласа, летом — из тафты, шелка, кружев или газовых тканей. Так что недаром пословица того времени гласила: «Дворянство носит свои доходы на плечах», дорогой роскошный костюм был признаком роскоши и эталоном красоты той поры.
Сочетание цветов в одежде поначалу было довольно яркое и дерзкое: синий с алым либо темно - синий или темно-зеленый с белым и т. д. Только позднее, по мере взросления, а потом и старения Его Величества, в моду вошла гамма теплых тонов — коричневых, золотистых, табачных в сочетании с золотом. Особо модны стали полутона.
...Кстати, Людовик не жаловал черный цвет и черной стали делать только траурную одежду.
Большой траур отличался от малого широким черным плащом и спущенной со шляпы черной вуалью. Его надевали только на похороны. В малом трауре шляпа имела черный бант. Считалось крайне неприличным не носить траурный костюм после смерти близких...
Как известно, Людовик XIV вступил на престол еще 5-летним ребенком, и за него правила регентша-мать, королева Анна Австрийская. В этот период моде был присущ оттенок детскости: подражая малолетнему королю, придворные и аристократическая знать стали носить короткие одежды и длинные волосы.
Когда Людовик XIV вышел из детского возраста, он сам стал законодателем мод, и взгляды всех модников снова обратились на него. В 1665-1670 гг. в костюме произошли перемены: он стал строже. Это был образ солидности, власти и богатства. «Великодушие и великолепие» — вот отныне девиз короля. Мужчины в те времена любили опоясываться широким цветным шарфом, который на боку завязывался кокетливым бантом.
...Кстати, о бантах. Подражая королю-Солнце, модники крепили их повсюду, буквально унизывая костюм: на левом плече, на каждом буфе рукава, на перчатках, на каждой туфле, везде, где только можно было, сидел импозантный бант (по-франц. — galant). По этой причине франтов стали называть «les galiants», а затем и эпоха стала именоваться «галантной». На костюм нашивали до 30 м лент у 500-600 бантов. Банты вплетали даже в парики. Розетки из лент и банты так закрывали спереди башмаки, что модник напоминал мохноногого голубя. Отсюда пошло еще одно выражение — пижон (по-франц. — голубь). Именно в эпоху Людовика XIV возник особый фасон банта в честь ушедшей любви. Обычно он был связан с какой-то конкретной личностью и ее излюбленным цветом. А поскольку романов, как настоящих, так и придуманных, было много, то и количество бантов всевозможных расцветок по всему костюму было соответствующим...
Все большую роль стала играть домашняя одежда: халат (шлафрок —.от немец. schlafrock), домашний колпак и низкие мягкие туфли. Особенно в старости Его Величество Людовик полюбил появляться перед придворными в халате из плотной, простеганной или на меху ткани, колпаке и мягких туфлях. И этот наряд стал безумно моден: подражая королю, его носил любой выскочка, несмотря на королевские запреты.
В конце века в моду входят большие муфты для... мужчин, поскольку стареющий модник Людовик XIV предпочитал прятать от посторонних взглядов свои дряхлеющие руки. Муфты носили на поясе на шнуре. В них пряталась нюхательная соль на случай дурноты, которая в пору полного игнорирования правил личной гигиены была очень распространенным явлением.
Молва приписывала появление париков Людовику XIV. В детстве и юности он имел прекрасные волосы. Ему завидовали все модники. Однако, потеряв их в молодости (из-за какой-то малоизвестной болезни нервного характера), он заказал себе парик. Король настолько привык появляться в парике, придававшем его внешности помпезный вид, что никогда в присутствии посторонних не снимал его. Мало того, он издал указ о всеобщем ношении париков. И парики сохранялись как обязательная принадлежность костюма еще... 150 лет! Чтобы парик хорошо сидел, его надевали на остриженную голову. Так поступали не только мужчины, но и женщины. Парик стали рассматривать как знак высокого положения, неприличным считалось появление дворянина на людях без парика.
Обычно парики делались из золотистых или рыжеватых волос. Локоны, разделенные прямым пробором, обрамляли лицо, спускались на плечи и спину. На рубеже XVII-XVIII вв. парики приобрели пирамидальную форму и изготовлялись из русых, а затем каштановых волос, длинными прядями спадавших на грудь и спину. Такой парик назывался «аллонж» (от франц. allonger — удлинять).
...Кстати, в аллонже мужская голова становилась похожей на голову льва, обрамленную гривой. Правда, некоторые ехидно сравнивали ее с головой пуделя. А поскольку круто завитые букли вверху аллонжа по форме напоминали рога, то шутники прозвали эти парики рогатыми.) Такой высокий парик как бы олицетворял величие и неприступность, столь присущие царю зверей —льву! Аллонж был призван производить неизгладимое впечатление на дам, так страстно желавших видеть в своих любовниках галантных... львов!
Но парики из натуральных белокурых волос имели право носить только сам Людовик и члены королевской семьи. Был даже издан специальный королевский указ, запрещавший аристократам и аристократкам использовать белокурые волосы для париков. Так как белокурые волосы были к тому же сравнительной редкостью, то многие стали осыпать темные парики мукой или рисовой пудрой, чтобы придать им более светлый оттенок. Придворные дамы должны были иметь несколько париков разного цвета — каштановый, черный, русый, белый.
Во времена короля-Солнце существовало 45 различных видов париков. Причем каждое сословие носило свой особый. В день парики меняли минимум трижды: утром — черный, днем — каштановый, вечером — светлый для прогулок по бульвару. Парики хранились на специальных подставках — болванках. При отсутствии элементарной гигиены длинные кудрявые парики стали не только любимым прибежищем блох, вшей и тараканов, но и временной обителью мышат.
..Кстати, при дворе Людовика XIV штат придворных «делателей париков» (по-немец. — parick-macher) увеличился до 5000 человек, в то время как его предшественнику Людовику XIII хватало 50. Их высокое искусство позволяло украшать мужские парики живыми цветами и даже попугаями. Парикмахеры сделались необходимее врачей. Памфлетисты злословили, что светом правит брадобрей. Особо прославился личный парикмахер Людовика XIV некий Бируа (он же — Бинетт или Бинне), ставший влиятельнейшей персоной при дворе, его благосклонности добивались многие почтенные люди. Чтобы соорудить достойную шевелюру для его величества, этот Бируа был готов, по его словам, обрить наголо всех французов и... француженок. Дело в том, что лучшие мужские парики для дворян делались из мягких и красивых... женских волос. При этом часто на парики шли волосы казненных людей...
При дворе Людовика XIV парик «аллонж» считался официальным головным убором высшего общества и, несмотря на все неудобства, связанные с его ношением, стоил очень дорого —- от тысячи золотых экю и выше. Спрос на парики порождал повышение цен на них. Большой аллонжевый парик из самых модных белокурых женских волос, привозимых из Бретани и Фландрии, стоил от 2000 до 3000 золотых экю. За долгие годы царствования Людовика XIV моды на парики менялась не один раз. Так, стареющий Людовик носил угольно-черные или снежно-белые парики. Этому, отчасти, вынуждены были следовать и придворные мужчины.
Вошедшие в моду парики огромных размеров стали по сути дела головным убором и вскоре вытеснили широкополую шляпу мушкетеров, украшенную страусовыми перьями и лентами. Их сменили более подходящие для новой моды на парики треуголки, которые носили на согнутом левом локте. Так шляпа стала лишь модным реквизитом, необходимым только для церемонии поклонов.
Поскольку канализация в городах тогдашней Европы практически отсутствовала, на улицах стояли ужасный смрад и вонь, которые пытались перебить запахом терпких духов. Ситуация усугублялась тем, что личная гигиена еще не стала привычной. Даже в королевских дворцах не было удобных туалетных комнат, а если и были, то маленькие и плохо оборудованные. В них едва помещался маленький стол, зеркало, таз с кувшином. Мыться было принято по частям в тазу, поливая себя из кувшина. Поскольку умывались не каждый день, то помады, которые наносились на лицо, к концу недели образовывали толстый слой. Чистить зубы вообще никому в голову не приходило. Естественно, что от людей сильно пахло прогорклой пудрой, жиром, потом и просто гнилыми зубами. Сам король-Солнце, боясь погибнуть (было предсказано еще до рождения, что ему суждено умереть от воды), за всю свою жизнь мылся только 4 раза! Людовик XIV вообще не умывался (!), а только слегка брызгал на руки и лицо любимыми им жасминовыми «Испанскими духами»! Однажды его любовница госпожа де Монтеспан в сердцах сказала, что «от Его Величества разит, как от вонючего козла»...
Подражая королю-Солнце, аристократия не интересовалась простыми запахами, а жаждала изысканных. Французская парфюмерия того времени переживала необычайный подъем. Жасмин, тубероза и роза — вот основные компоненты для производства духов.
Дворяне обычно носили обувь (полусапожки или туфли с плоским округлым носком — «утиным носом») из мягкой вышитой или тисненой кожи разных цветов (чаще белого) на высоком (от 15 до 24 см! красном каблуке и на толстых (7-10 см) пробковые подошвах, обтянутых красной кожей. В результате некоторых модников стали называть «господин красный каблук».
Предполагают, что моду на такую обувь ввел невысокий Людовик XIV, заказавший в 1660 г. себе на церемонию коронации подобные туфли у известного сапожника из Бордо. На таких каблуках нельзя уже было ходить, а можно было только подпрыгивать. Зато такие высокие каблуки делали походку горделивой, человек словно совершал различные па.
Сначала высокие каблуки носили как женщины, так и мужчины. Но для женщин такие «высоты» были значительно важнее, а потому они «удержались» на каблуках такой гротескной величины. Даже когда каблуки стали тонкими.
Мужчины и женщины брали уроки красивой ходьбы на каблуках. Правда, к концу века каблук стал ниже (король постарел и ему стало труднее передвигаться на высоком каблуке).
За годы правления Людовика XIV мужчина стал более элегантным, более похожим на разряженную женщину, более женственным, неспособным к труду.
Франция в это время была образцом для европейского дворянства, поэтому правилам хорошего тона и моды, которые она диктовала, следовали не только коронованные особы и их приближенные, но и все дворянство в целом. Все это было не простым развлечением, а дорогостоящей и изнурительной игрой, направленной на подчинение себе других.
Вся Европа восторженно говорила о грации француженок, галантности их кавалеров. Везде господствовали французская речь, французские нравы; все старались уподобиться французам и французской моде. Весь цивилизованный мир стал одеваться на французский лад. Сотни, тысячи дворян надевали парики и щеголяли в башмаках на высоких красных каблуках. Всякий, кто хотел прослыть важной персоной, старался подражать французскому монарху. Хотя англичане, немцы, русские и другие народы вносили в одежды что-то свое, но это были лишь детали. Французская мода не только стирала национальные различия — она постепенно сблизила по внешнему виду отдельные сословия. Начиная именно с времен Людовика XIV, можно уже говорить о мировой моде.
...Людовик XIV жил долго — 77 лет. И правил он немало - 72 года (1643-1715 гг.). Эти годы были отмечены в истории костюма небывалой роскошью. Стремление к роскоши, расточительные траты на удовлетворение мимолетных капризов короля не прошли бесследно. К концу правления Людовика XIV государственная казна Франции оскудела настолько, что в плавильную печь пришлось отправить королевский золотой сервиз вместе с кольцами для салфеток, украшенными бриллиантами, и серебряный алтарь собора Парижской богоматери.
Таков финал блестящего царствования импозантного государя, когда-то во всеуслышание гордо заявившего: «Государство — это я!». «Солнце» французской моды закатилось. Но придуманный Людовиком образ просвещенного монарха надолго пережил своего создателя...

Детская мода сделала свои первые, очень робкие шаги более 200 лет назад. Родилась она в Англии и начала с претворения в жизнь призыва Жана-Жака Руссо «Назад, к природе». Родители решили, что детей нельзя одевать как взрослых, омрачая этим их самые радостные годы. И мальчишки меняют тесную офицерскую униформу на пиджак. Девочки избавляются от тиранства корсетов и неудобных кринолинов, отныне они вслед за маленькими англичанками будут носить свободные муслиновые платьица с пояском. Увлечение новой удобной, легкой одеждой сделало жизнь детворы значительно проще. Немного позже мальчишки с удовольствием воспримут широкие матросские брюки и модные вплоть до нашего времени матросские воротники. Волосы их уже не задыхаются под париками, а свободно вьются по плечам и обрамляют лицо. Так было в 80-х годах XVIII века...

А до этого одежда на щадила и детей. Грудного ребенка закутывали в пеленки так, что он был похож на мумию. Считали, что так он будет вне опасности простудиться и пораниться. Но, кроме того, детей пеленали и с целью помешать двигаться – родители были убеждены, что движение в этом возрасте деформирует кости... Только после Первой мировой войны, когда современные понятия о гигиене и здоровье начали пробивать себе путь, новорожденные «официально» получили право двигать руками и ногами. Вместо мерзких пеленок им начали вязать детскую одежду, и непременно девочкам розовую, а мальчикам голубую.

Для детей постарше освобождение от тирании одежды наступило после Французской революции, с утверждением стиля «ампир». Еще с 1807 года девочкам позволялось носить платьица до колен – с потайными штанишками, которые кокетливо выглядывали из-под юбочек. Такие штанишки им пришлось носить еще долгие годы... С 1845 года девочки уже носили под кринолинами юбки, а мальчики выглядели как девочки – носили короткие туники, из-под которых были видны штанишки, также украшенные воланами. Кроме этого, они носили обувь на высоком каблуке с пуговицами, а позже – русские рубашки и шотландские юбочки.

С 1869 до 1875 г. девочки, как и их матери, вынуждены были носить смехотворный турнюр – целую конструкцию из слоновой кости или подушечку под многочисленными воланами и складками на юбке, а поверх всего этого – жакет, чтобы придать женщине «вполне благопристойный» вид.

В середине XIX века появилась детская одежда, которая до сего дня остается любимой и модной – матросский костюмчик.

К 1890 году дамы еще защищались от солнечных лучей с помощью широкополых шляп и кокетливых зонтиков, но и взрослые, и дети уже начали наслаждаться солнцем и прогулками по берегу моря. Наступило время целомудренных купальных костюмов с длинными рукавами и штанинами, а также туник. Спорт становится частью жизни, и перед детьми открывается невиданная свобода. В прошлом одному портному риходилось обшивать не только все семейство, но и кукол детей – куклы должны были быть одеты, как люди. Но во второй половине XIX века начала бурно развиваться легкая промышленность, торговцы обращали все большее внимание на детскую моду. Появились магазины детской одежды и сразу же начали процветать. Даже высокая мода заинтересовалась этим вопросом.

Первым детским модельером стала Жанна Ланвен – первая женщина, открывшая дверь в мир Haute Couture. На клиенток произвел впечатление тот факт, что ее обожаемая дочь Маргарита всегда была чудесно одета, и они уговорили ее шить и для их детей.

Безумные двадцатые годы двадцатого столетия освободили и родителей, и детей от тирании «общепринятых норм» ношения одежды. «Американское платье» – воздушное платьице с двумя отверстиями для рук, а также короткая пелеринка стали криком моды. Талия – свободна, ноги – открыты, легкая ткань ласкает кожу. Но самая большая перемена началась со Второй мировой войны. Девочки в первый раз натянули брюки. Равноправие между полами в области одежды затронуло и детскую моду.

Сегодняшние дети любят детали – кармашки, пуговицы, но любят и удобство. Девочки снова тянутся к романтичным платьицам, а мальчики как огня сторонятся всего того, что, по их мнению, является «девчачьим». Как и во все времена, родители стремятся одевать детей красиво и прививать им хороший вкус.

Режиссер Джеймс Кэмерон ввел персонажа Люси Дафф Гордон в свою историю про Титаник с легким пренебрежением, вложив в уста Роуз ДеУитт Бьюкейтер слова: «А это Леди Дафф Гордон. Создание кокетливого белья для женщин – ее любимое занятие».

Между тем Люси была для своего времени почти революционеркой. Героиня Кейт Уинслет, мечтавшая о свободе быть самой собой и жить так, как ей хочется, вполне могла бы взять с нее пример.

Леди Дафф Гордон была ведущим модельером эдвардианской эпохи и одной и тех, кто стоял у истоков моды двадцатого столетия. Она владела одним из первых глобальных модных брендов, с представительствами в Лондоне, Нью-Йорке, Париже и Чикаго. Помимо одежды, ее империя включала производство и продажу аксессуаров, дамского белья, духов и косметики за пятьдесят лет до того, как Кристиан Диор сделал то же самое.

Родилась Люси Кристиана Сазерленд 13го июня 1863 года, провела детство и юность в Канаде и на Нормандских островах, и в 1884 году вышла замуж. Родив дочь, через несколько лет Люси совершает, наверное, первый из своих необычных поступков для своего времени – она подает прошение о разводе с мужем по причине алкоголизма последнего. Бракоразводный процесс длился долго, целых три года, ведь подобные дела были очень редким явлением. Только в 1893 году Люси Уоллас возвращает себе свободу.

Еще до окончания процесса, Люси остается без средств к существованию. Чтобы прокормить себя и ребенка, она начинает шить на заказ. Одной из первых заказчиц Люси становится ее младшая сестра Элинор Глин – впоследствии знаменитая романистка и автор столь востребованного сегодня понятия «it-girl». Через какое-то время дела Люси чуть налаживаются, и она арендует помещение для магазина, ставшего известным как Maison Lucile.

Младшая сестра Элионор Глин в платье от Люсиль, 1905

Одновременно с этим она создает сценические наряды и становится известна среди актрис. Так, работая день за днем, Люсиль – именно это имя становится брендом - приходит к тому, что среди ее заказчиц появляются представительницы аристократии и по-настоящему богатые люди. Их привлекает в творениях Люсиль учет индивидуальности каждой заказчицы: она не только дает платьям имена, ориентируясь на литературные, театральные и художественные произведения, а также на психологические особенности самих клиенток, она придумывает их, исходя из личности женщины. Это было совершенно новым словом в том, как происходил весь процесс – ранее просто копировались французские модели и шились по одним и тем же образцам. Люсиль стала настоящим проповедником самовыражения в моде и поощряла своих клиентов развивать личный стиль.

Что касается технических моментов, то здесь Люсиль также была новатором и каким! Она удалила жесткие косточки из корсетов, а затем предложила первый вариант той части одежды, которую теперь мы называем бюстгальтером. Она понизила линию выреза шеи блузок и платьев и сделала разрез на юбках, открыв ноги женщин. Сама она говорила об этом: «Если бы я больше ничего не сделала в жизни, я уже показала, что ноги женщины – это красота, а не только «конечность», говорить о которой можно только в конфиденциальности примерочной».

“Мягкие” корсеты Дафф Гордон

Вечернее платье

Платье для второй половины дня

Стилем Люсиль стал сам воздух, который она вычленяла из тканей и превращала во все эти изящные линии, волнующиеся рукава, летящие подолы и гирлянды прекрасных крошечных цветов. Кутюрье вдохновляла Древняя Греция с ее независимостью и свободой в одежде. В своих мемуарах 1932 года «Усмотрения и Неосмотрительность» Люсиль писала: «Я выпустила на пораженный Лондон - Лондон фланелевого нижнего белья, шерстяных чулок и необъятных юбок каскад шифона и драпировок, столь же прекрасных как в Древней Греции».

Фактически, подход Люсиль к работе всегда был подходом художника, а не портного, а «цвет был почти моей религией, поскольку всю красоту я вижу с этой точки зрения», как она сама говорила. Ее авторству принадлежит модная палитра того времени, которую она смешивала смело, но и умело: серебристая гвоздика, персиковая орхидея, бирюзовый по золотому, самый бледный лимон и весенний зеленый.

Вечернее платье, 1917

Дневное платье, 1917

Костюм для верховой езды, 1916

Именно Люсиль мы обязаны настоящим возникновением профессии модели, а также тем вариантом модных показов, которые имеем теперь. В 1897 году она впервые организовала стильное представление с проходами великолепно выученных моделей. Она готовила их сама: каждой придумывала сценическое имя, красивое и таинственное, чтобы девушки чувствовали себя богинями и излучали притягательность, и обучала «скользящей» походке. Первыми звездами моделинга стали красавицы Долорес, сделавшей позже карьеру в знаменитом ревю «Девушки Зигфельда» и Хеб (Геба), чьи фотографии брали для всемирного исследования красоты, которые ныне являются собственностью Национальной Портретной Галереи.

“Долорес” - Кэтлин Роуз, 1918

“Хеб” (Геба) - Констанс Весселье, 1917

Люсиль была тем, кто заложил в индустрии моды основы такого важного на сегодня понятия как связи с общественностью. Она ввела приглашения, рассылаемые клиентам в день показа коллекции, уделяла внимание антуражу, в котором проходило дефиле, создавая роскошную, но уютную атмосферу «частной гостиной», приглашала оркестр, озвучивающий мероприятие легкими мелодиями и угощала послеобеденным чаем в конце программы. Она сознательно взращивала ауру гламура, как мы бы сейчас сказали, всего процесса, имея целью развитие социальной составляющей шопинга. «Я хочу соблазнить женщину на покупку большего количества платьев, чем мы можем предоставить», - говорила Люсиль.

“Парад” манекенщиц, 1913

Люсиль с клиентками

Бизнес набирал обороты, и Люси понимала: ей не хватает знаний в области финансов. Она обращается за помощью к бизнесмену Сэру Космо Дафф Гордону и начинает сотрудничать с ним. Это решение приносит не только стабилизацию в ее денежные дела, но и взаимный человеческий интерес, и в 1900м году Люси выходит замуж за партнера. Люси Уоллас становится Леди Дафф Гордон.

Вместе с мужем Люсиль основывает Lucile Ltd, что позволяет расширить зону ее влияния по всему миру. Она открывает филиал в Париже. Америка с восторгом принимает Леди Гордон Дафф с ее новым взглядом как на саму моду, так и на технологию продаж. Среди клиенток Lucile Ltd по обе стороны океана было самое высшее общество: Леди Рэндольф Черчилль, герцогиня Мальборо, первая Леди Эдит Уилсон, Гертруд Вандербилт Уитни, Эллис Рузвельт Лонгуорт. Голливуд в лице звезд немого кино Мэри Пикфорд, Марион Дэвис, Лилиан Гиш и других также был счастлив знать эту смелую женщину. В итоге, она заключила контракты почти со всеми реально действующими киностудиями и театрами не только в Голливуде, но и на Бродвее, в Париже и Лондоне – на ее счету участие в более чем семидесяти театральных постановках и около двадцати пяти фильмов.

Актриса Ирен Касл в платье от Люсиль в фильме “Watch Your Step”, 1914

Актриса Лили Элси в платье от Люсиль, 1913

Дальше – больше. Ей приходит в голову заняться не только розничной торговлей, но и обслуживанием заказов по почте. Леди Дафф Гордон нравилась идея завоевания все большей аудитории. Следующим шагом стало открытие предприятия, специализирующегося на производстве линии готовой одежды по более низким ценам. Эта мысль была слишком передовой для начала двадцатого века и просуществовала как рабочая всего год. Но она станет бизнес-моделью для будущих кутюрье, которые, продавая такую линию, смогут возмещать потраченные на демонстрации коллекций деньги, получая необходимую известность.

Look Book Lucile Ltd, осень 1916

Эскиз платья для второй половины дня, 1916

Эскиз костюма для занятий спортом, 1916

Пассажиркой Титаника Люсиль стала также по причине ведения бизнеса – необходимость попасть в Америку для открытия отделения Lucile Ltd в Чикаго совпала с первым рейсом лайнера. Люсиль была одной из спасенных на пресловутой лодке № 1, рассчитанной на сорок человек, а взявшей на борт только двенадцать. Против Леди Дафф Гордон и ее супруга выдвигались обвинения в этом, но они смогли их опровергнуть. Тень этих обвинений уже никогда не оставляла обоих: Сэр Космо Дафф Гордон так и не оправился от пережитого, постепенно удаляясь из света. Люсиль же заявила, что она не позволит этому событию разрушить дело ее жизни, и, закрыв, с началом войны, свои Дома в Париже и Лондоне, перебралась в Штаты, сделав Нью-Йорк своей базой.

Спасшиеся с лайнера “Титаник”, в центре снимка, в шляпе - Леди Дафф Гордон

1918 году доход Lucile Ltd представлял собой цифру в два миллиона долларов и обеспечивал работой около двух тысяч человек – такие мощности позволили войти компании в самые высшие сферы корпоративного бизнеса, а ее владелице стать одной из самых уважаемых бизнес-леди.
А ведь речь идет о начале двадцатого века! Женщина в создании моды, и тем более как успешный владелец дела – одна мысль об этом вызывала усмешку и иронию, считалась аномалией в мире большого бизнеса. Но Люсиль смогла преодолеть предубеждение, остановить грубые выпады со стороны мира, считавшегося исключительно мужским. Всей своей жизнью Люсиль внесла неоценимый вклад в то, что в наши дни женщине доступно иметь свое дело, пусть это также не просто, как и сто лет назад или просто работать, добиваясь поставленных целей и развиваясь.

Леди Дафф Гордон исполнила важную роль в истории моды и как художник, и как новатор, и как ньюсмейкер для средств массовой информации. «Чем больше я сталкивалась с сопротивлением, тем больше наслаждалась этим» - хороший девиз для такого борца, как Люсиль и тем, кто разделяет идею активной позиции в собственной жизни.

Сохранившиеся оригиналы творений от Люсиль

Вечернее платье, 1912

Пальто от Люсиль, 1921

Вечернее платье “Счастливое”, 1916

Вечерний костюм, 1918

В 2004 году на аукционе, организованном нью-йоркской галереей Уильяма Дойля Окшна, было продано платье из дебютной американской коллекции Люсиль 1910 года за 35 850$ при первоначальной цене в 5000$. Это было бархатное платье фиолетового цвета свободного кроя с нашитой золотой шелковой марлей, изображающей символические клубящиеся облака в ориенталистском стиле, с асимметричным подолом, открывающим ткань без рисунка. К платью прилагался атласный пояс лимонного цвета, с золотой бахромой. Первоначальной владелицей платья от Люсиль была Маргарет (Мэдж) Дэли Браун, общественная активистка, умершая в довольно молодом возрасте в 1911 году. Платье было аккуратно убрано в 1913 году и ждало своего часа девяносто лет до момента распределения наследства дочери Маргарет.

Люси в разные годы жизни

Люсиль за работой

Леди Дафф Гордон в феврале 1916 года

http://www.starslife.ru/2011....kutyure

Корсет делает нас стройнее, подтянутее, женственнее. А всего несколько столетий назад он был сущим наказанием и причинял немало неудобств.
За всю историю его существования в соотвествиями с модными тенденциями корсет претерпел массу изменений. Французы в течение двух столетий (с XV по XVI вв.) не изменяли откровенному фасону платья. Они опустили линию корсажа так низко, что тот выставлял напоказ женскую грудь. Впервые такой откровенный корсет надела фаворитка Карла XVII Аньес Сорель - одна из красивейших женщин своего времени. После того как Жан Фуке изобразил ее в образе кормящей богоматери, все дамы взяли за моду ходить при дворе с одной обнаженной грудью.
Век спустя Екатерина Медичи довела культ чувственности до предела. Вместе с придворными дамами она стала делать в верхней части корсажа два круглых выреза, обнажавших груди целиком.
В древней Греции женщины крепко обматывали свой торс лентами, чтобы остановить рост груди. Так первые корсеты верно служили античным идеалам скромной красоты.
В строгой и пуританской Испании корсет надежно прятал все женские прелести за железными и деревянными пластинами. Испанский пуританский корсет XVI в. был очень высоким, жестким и причинял немалые мучения. Он нарушал кровообращение, сдавливал печень и почки, смещал желудок. И все-таки приличия требовали от светских дам стягивать талию до невыносимых 40 см в обхвате, очень часто ношение такого корсета приводило даже к смерти женщины в расцвете лет. Но в XVIII в. пуританские свойства корсета оценили во всей Европе. Ему негласно отвели роль «пояса верности». Тогда шнуры достигали нескольких метров в длину, а искусством шнуровки владела только камеристка. Поскольку самостоятельно затянуть корсет было почти невозможно, он немного сдерживал разыгравшуюся вольность нравов.
Дамское платье эпохи Возрождения вполне могло заменить тренажер для тяжеловесов - его вес был около 25 кг.
С начала XVII в. французская чувственность превратилась в достояние исключительно высших светских аристократичных кругов. Корсет стал указывать на статус дамы, и его было запрещено носить всем, кроме дворян.
Официальный стандарт обхвата талии был введен со времен Екатерины Медичи и составлял 13 дюймов, что составляло примерно 33 см. Дама с талией, превышающей эту величину, не могла даже появиться при дворе. А если корсет стягивал даму более чем на 33 см, было ясно, что перед вами - самая высокопоставленная особа.
С XVIII в. вся Европа во главу угла ставит идеальную осанку. Теперь корсет делается из китового уса. Ус мягче железных вставок, но плотнее обхватывает корпус, делая его очень изящным.
Разница между естественной фигурой и утянутой оказалась столь разительна, что корсет стали носить, не снимая. Причем все: и дворянки, и служанки. Девочки уже в семь лет получали свои первые корсеты, в шестнадцать надевали жесткие модели и не расставались с ними вплоть до шестого месяца беременности. Впрочем, из-за смещения органов и деформации ребер редкая беременность тогда разрешалась успешно. И женщины старались вообще не рисковать: эстетическая сторона жизни была важнее продолжения рода.
Каноны красоты доходили до абсурда: даже ночью девушки не могли отдохнуть и ложились спать в специальных ночных корсетах. А выйти из спальни с утра незатянутой в корсет считалось неприлично.
Дань корсету отдавали и мужчины: воины, денди и короли. В XI в. во Франции корсет появился именно как элемент мужской одежды. Он изготовлялся из кожи или металла и закрывал все туловище, начиная от шеи и кончая верхней половиной бедра. Такой панцирь как броню использовали воины, и назывался он «колет».
В эпоху Возрождения мужской корсет стали делать из ажурного железа. Как и женский, он становился все более узким. Обхвату талии Генриха III, сына Екатерины Медичи, завидовал весь французский двор.
В XIX в. корсет, хотя и сохранил свойства бронежилета, но стал, спасением для мужчин с брюшком и сутулой спиной.Так и получилось, что на протяжении всей истории корсет служил мужчинам защитой и от врагов, и от насмешек.
В начале XX в. появился рентген. Наконец врачи смогли сравнить два снимка: ровные ребра крестьянки, никогда не носившей корсета, и искривленные ребра аристократки, которая не снимала его с четырнадцати лет. Увиденное произвело фурор, и корсет стал врагом номер один. И все же нельзя было не признать, что хороший корсет поддерживает внутренние органы не хуже медицинского бандажа. С тех пор медики стали работать над созданием лечебного ортопедического корсета. В XX в. по гипсовому слепку, снятому с больного, начали делать ортопедические корсеты. Они позволяют зафиксировать и разгрузить определенный отдел позвоночника при искривлениях и травмах. Что до современных материалов - больше никаких усов: уничтожение китов запрещено, и корсеты делаются из эластичных тканей, не давящих на внутренние органы.
Сейчас корсет стал очень удобным, модным и присутствует не только в свадебных и вечерних нарядах, но и в повседневной одежде. Современные модные корсеты вполне могут жестко утягивать: Виктория Адаме в день свадьбы с Дэвидом Бэкхемом надела корсет 40 см в обхвате. Однако более популярны сегодня корсеты-грации из дышащей плотной или кружевной ткани. Они мягко корректируют фигуру и при этом незаметны ни для их обладательницы, ни для окружающих. Сегодня корсет ни к чему не обязывает. Днем его носят и под одеждой, и поверх, как самостоятельную деталь туалета. Зато ночью приветствуется прозрачность и кружево. И пристегнутый снизу пояс для чулок. Такой корсет уж точно не помешает личной жизни, ведь вместо метровых шнурков используются застежки, причем расположены они не сзади, а спереди.
Впрочем, ценители старины могут носить корсет и со шнуровкой, и с завышенной спиной, которая создает чувство, будто вы сидите на стуле с высокой спинкой. Но теперь это не мучение, а незаменимый помощник для страдающих остеохондрозом.

Кто именно изобрел пуговицу, неизвестно: одни ученые склоняются к тому, что это были греки или римляне, другие - что пуговица пришла из Азии. Делались они преимущественно из слоновой кости.

Широкое распространение пуговицы получили только в XIII веке. И почти до XVIII века были признаком богатства и знатного происхождения: короли и аристократия могли позволить себе заказать пуговицы из золота и серебра. В начале XVIII века пуговицы стали делать из металла и меди, но почти до конца XIX века пуговицы были настолько дорогим товаром, что их перешивали с одной одежды на другую.

Древний Египет

Древнее царство 3000г. до н.э.

Среднее царство 2100г. до н.э.

Новое царство 1600-1100 г. до н.э.

Чиновники, жрецы, храмовые служители

Фараон и его двор

Воины

Фараон и его двор

Фараон, жрецы, образы богов

Рабыни

Продолжение следует

Вавилон

Ассирия.Царь и его двор.

Ассирийские воины

Царь и его свита

Воины

Сбор дани. Одежда для жертвоприношений.

Крит, Палестина, Сирия

Бедуинцы,сирийцы,палестинцы

Евреи

Древняя Персия 6-5 вв до н.э.

Персия 600г. до н.э.

Древняя Персия 6-5 вв до н.э.

Скифы

Фригийцы

Другие малоазиатские народы

Продолжение следует